从21世纪开始的音乐产业转型，到今天，已经有些眉目了。数字音乐和现场毫无疑问将是未来产业的两大核心。前些年业内还动不动就喜欢振臂高呼“让音乐回归现场”，现在，“让音乐回归零距离”这句口号又将成为主流。音乐厅“LIVE秀”这个名词已经迅速被中国演出市场所熟知。可以说，各大音乐厅所承载的殿堂级“LIVE秀”渐渐承担起中国新文化娱乐生活的大部分养料，逐步带领市民养成约定俗成的观演习惯，同时，也对文化运营与市场销售体系的建立功不可没。
自古以来，“LIVE秀”就是音乐欣赏最重要的形式之一，而且，在19世纪末埃米尔?玻里纳发明唱片之前，“现场”几乎就是唯一的音乐欣赏方式。就算是在“录音时代”，“现场”仍然在音乐产业中扮演了非常重要的角色，很多划时代的音乐革命都是在现场发生的，比如1965年迪伦在新港音乐节上给民谣插上电，又比如上世纪九十年代初Nirvana在巡演中成为大明星。
现如今，麦当娜从唱片公司跳到了演出公司，一次次将流行乐带入音乐厅；穷摇了一辈子的中国摇滚乐在音乐厅现场看到了钞票，狂野披上华丽的外衣，摇滚在赏心的同时做到了悦目；王菲在音乐厅中一场接一场的“重生”，却一点发唱片的意思都没有；歌神张学友放弃万人舞台，也选择放下身段，情愿在音乐厅开个唱；特别值得一提的是，欢庆网推出的流行音乐演出季：戴佩妮、黄小琥、肯尼基、麦斯米兰、胡德夫、小野丽莎、品冠等，将音乐厅“LIVE秀”打造成流行的品牌，树立为行业的标杆。所以说，得现场者得天下，这话一点都不重。
曾经沧海，大众更多把音乐等同于唱片的华语音乐市场，“现场”的地位近几年才得到较大的提升。由于一向过于偏重唱片的销售，华语音乐市场可能是全球音乐市场中受打击最大的。加上数字音乐领域一直没有靠谱的商业模式，“让音乐回归现场”也喊得越来越响亮。纵贯线巡演的九亿票房、王菲复出的过亿收入和音乐节井喷成为“回归现场”的正面典型，并刺激各路人马和资本纷纷往演出现场里扎。数据显示，“现场”的价值已经远远超过传统唱片业。据媒体报道，2010年，内地演出市场中演唱会的收入是13.2亿，而唱片业的产值只有区区两亿——也难怪王菲复出至今没有任何想出唱片的迹象。音乐节部分，尽管一直缺乏靠谱的统计数据，但一个可靠消息是今年的某个大型音乐节政府投入高达千万以上，由此可见这个盘子有多大。
纵观当今的“LIVE秀”市场，大型演唱会肯定不是唯一的角度，但绝对是绕不过去的一个门槛。因为，虽然所占场次并不多，但是大型演唱会收入占整个演出市场收入的比例却一直较高，这说明了演唱会项目的含金量。还有一点，相较于其他演出类别，大型演唱会的商业化程度更高一些，赞助和票房都不错，甚至完全靠票房就可以盈利。
相较于大型演唱会选择体育馆的庞大布局，更多音乐人将眼光投向音乐厅。音乐厅的设计可方便观众在演出中零距离与心中明星互动。音乐厅的座位布局，使声音达到每个席位距离基本接近，音乐人仿佛就在面前歌唱，传达感情更直接，声音更真切；在照明上追求光线明亮，照度合理，使观众能看得亲切；此外，音乐厅降噪功能出众，观众席噪声尽可能被就地吸收。由此可见，音乐厅“LIVE秀”将成为趋势，成为诉求，成为流行音乐产业的新风潮席卷中国音乐市场。
虽然音乐厅“LIVE秀”的概念已经普及到每一个独立音乐人和流行音乐爱好者的心中，但真正专业的音乐厅“LIVE秀”在中国仍然屈指可数。中国的音乐文化消费力依然低下，所以如“欢庆”这样的演出组织机构承担着中国乃至国际的普及任务，并且同样怀有对音乐产业的热爱，甚至大多数组织者都曾经有过演出的背景，他们深知音乐人和歌迷的需求。
二三线城市的音乐厅“LIVE秀”这几年的进步似乎并不那么明显，这和音乐厅“LIVE秀”经营者本身并无关系，最大的弊端在于在这些城市里缺乏竞争，没有竞争的市场经济很容易导致竞争主体放慢优化节奏。在经营这条路上，培养歌迷的消费习惯甚至比为音乐人提供演出场所更为迫切，也更为实际。
作为歌迷们最直接的梦想承接方的音乐厅“LIVE秀”，他们的生存虽然并不如歌迷想象的那样的零风险，但大多数音乐厅“LIVE秀”的主办方都表示，经营状况在逐年上升。中国目前的音乐厅“LIVE秀”（尤其是北京、上海这样一线城市）已经进入角色转换期。
作为未来文化产业市场一个重要的组成部分，音乐厅“LIVE秀”既有政策的导向，又有经济的导向，而音乐厅“LIVE秀”框架的成熟与否，也决定着它的发展方向。不可否认，中国演出市场发展至今，已经逐步形成并渐趋成熟。不管是消费者在音乐挑选的“主动性”上，还是音乐人的专业素养上都有所提高。中国演出市场经过近30年的发展，已经初成规模，特别是，大型精品演出寥寥无几，假唱现象严重，国内实体唱片举步维艰的现状下，“让音乐回归零距离，让观众感受真音乐”成为了经济回收的最直接方式。有人甚至预言，音乐厅“LIVE秀”将会替代唱片业和大型演唱会成为未来音乐产业的支柱。
